波兰美女艺术家Emilia Wilk人物油画作品欣赏
油画中常常表现美丽的女人们，她们身上具有独特的艺术气质，这是其它事物所取代不了的。而人体油画则更是艺术家与艺术爱好者的最爱，他们从中体会到人体美的内在意义！著名美术大师刘海粟对“人体美”有独到的见解：“人体美是美中之至美”。
波兰女艺术家 Emilia Wilk的作品风格，应该归为印象派的现实主义
她自幼很小开始绘画，大概当时之有6岁就展露了绘画才华
她的绘画多以女性为主题
很多人在看过她的画后，都纷纷表示：最难忘的就是画中女孩们的眼神，真是打动人心
绘画人体是肖像画家为了了解人体肌肉、骨骼的基础方法，同时，人体油画也是以人体作为传达画家感情的载体，油画家通过艺术创造，赋予人体以千种色彩，万般体态。在画家的画笔下，人物的个人特征、面部形象会被更加细腻的表达，无需特意的表达，情感就会渗透在每一个观看者的内心。
油画人体的表现，首先要掌握人体造型比例。因为人体创作的头与身体的比例、身体与四肢的比例都是十分重要，直接会影响画面效果。人体表现的准确与形似是对人体造型表现的两种概括。
人体油画尽管画面中伴有女性、男性果体出现，但让人看起来并不会出现肮脏、邪恶的想法，凭借着对人体的细致表现，人们能够感受到当时画家的心情甚至是思想动态，观者和画家从同一视角观看到的人体，将会呈现出不同的视觉感受，从平淡无奇的事件或是人物中看到生活中人们不曾看见的美丽，往往能带给观者一种美的享受。
人体油画的创作往往不夸张、不浮躁、完全依照鲜活的人物性格进行真实的表达，尽管人体油画属于绘画表现艺术的一种，但是人物形象描绘的本质要求油画创作者保持人物本真，不进行多余添加，还原自然。画家们神奇地描绘出了女性肌肤的柔软透明，鲜活灿烂，其作品是对人类心灵和人性的歌颂。
人体艺术可以让人们对人体有更好的了解。人体是所有艺术品中最完美的一件，通过人体艺术，人们可以对人体产生更好的了解，进而形成更加正确的审美观点，可以能够更好地去追求美好的事物。
要说要想创作画中场景以及人物并不难，难的是场景与人的比例，以及人体自身的比例，所用的颜色等。只有将这些都构造的非常完美，才能够得到一幅完美的人体油画，才能够将人体独有的魅力展现出来，让更多的人领会到这种魅力。
人体艺术和色情图片的区别 1917年，上海美专因选用人体模特、展出人体素描而引起轩然大波，“轰动全国”。 1988年，北京“油画人体艺术大展”，以及陈醉的《裸体艺术论》的出版、女模特陈素华被逼疯事件，均“轰动全国”。 人体艺术在中国整整“轰动”了一个世纪后，终于在新的世纪里不再那么“轰动”了。 21世纪人体摄影艺术不再神秘，不再是洪水猛兽。 书店里、报摊上的人体艺术画册很少有人问津，不再是畅销书籍了；人体摄影艺术展览也不再是“万人空巷”争相看稀奇看热闹了，走进展厅的观众，真正是为“艺术”而来，而不是为“人体”而来；是为审美而来，而不是为窥私而来。 著名美术大师刘海粟是我国倡导“人体艺术”的先驱者，他对“人体美”有独到的见解，曾说“人体美是美中之至美”。 美是艺术，人体美更是一种高尚的艺术。 看见全裸影集顿生不安，太过敏了。 我国青少年的性教育、性接触相对于西方来说，还是比较迟的，这与民族传统、性价值观和道德标准等有关。 只有长久了，司空见惯了，才会慢慢接受。 打个比方说古代的中国人是不吸烟的，到了明朝后经过被视为洪水，然后严禁，渐被接受、弛禁。 到如今，想禁也禁不了了。 如今，大家会品评烟圈的形状，烟斗的精致，烟叶的特性、产地，俨然是一门综合艺术了。 同时，还要认识到，一些全裸影集并非人体艺术，真正的“人体艺术”能给人“美”的享受、“真”的震撼、“善”的启迪、“爱”的思考，而不是猥琐的、原始的冲动。 艺术与“色情”是密切相关的，没有“色情”，哪有艺术？没有大众经过心理学和伦理学上的鉴定，艺术上的美学能独立存在吗？色情从来就不是艺术，艺术从来是高于色情的。 日前，一场名为“人体摄影创作团比赛”的活动在武汉一家照相器材市场举行，现场上演惊人一幕——人体模特当众作秀！两名妙龄女子面对数十名摄影师及观众，坦然褪去衣衫，摆出各种姿势，现场约20名摄影师立刻兴奋起来，为选择理想的拍摄角度，他们或端着三角架满场跑，或蹲或侧着身躯，或者干脆匍匐在地板上，现场快门按键噼哩叭啦比爆炒黄豆还响。 年龄分别为23岁、24岁的两名模特由深圳方面提供，是该公司专门在深圳招聘的。 该比赛不同凡响之处在于其形式的大胆：由深圳聘请的人体模特在此赛程中将向所有参赛者“尽情”展示胴体以供创作。 举办方称，此番举动是让人体摄影告别“养在深闺人未识”的神秘状态而走向公开化的突破性尝试。 这一活动立即在社会上引起强烈反响，引发了人们对人体艺术的思考。 人们除了现场观看，满足了自己的感官享受之外，不禁多了很多疑问，搞一次人体摄影大赛有必要这样大张旗鼓吗？真正的人体艺术应该怎样？现场的很多观众，在观看之余略带困惑。 拍人体就像吃馒头？ “U2人体摄影创作团比赛”组织者表示：摄影到了一定的境界之后，应该展现的不仅仅是漂亮衣服，而更应该让人脱掉衣服，展示人体之美。 对摄影师而言，拍摄人体就应该和吃馒头一样正常，但我们国家现在的情况却截然相反，很多搞摄影的人一辈子都没有拍过人体，这是极其不正常的。 这种心态应该是他们“义无返顾”怂恿女孩子们“为艺术献身”的真正原因。 模特李津（化名）告诉记者，中国的人体模特都是业余的，她做这一行的时间也很短，她们一个月至少可以接一次拍摄，全国各地到处跑，很累，但是也很好玩。 她们一次拍摄的时间在3个小时左右，得到的酬劳是每小时500元。 为什么专业的模特多数不愿为这种“艺术”献身？是素来以前卫自居的他们太封建，还是这种艺术本身就有问题？ 艺术必须“献身”？ 其实人体艺术无论是在中国还是国外早就不是什么新鲜事，早在1885年摄影术诞生之初，法国就出现了有记载的第一幅“人体写真”，20世纪80年代末在中国美术馆举行了新中国首次人体艺术绘画大展，引来了一段长时间的争议，但也为人体在美术领域争得了合法性。 此后类似的人体摄影、展览层出不穷，光是今年举行的杭州人体模特艺术展、昆明人体艺术展、成都人体模特摄影展、深圳欧洲人体摄影展、广州人体摄影大展。 这么多“人体”，有些简直就是超乎人们的想象。 观众开始质疑，艺术就一定要脱衣服，或者不脱衣服就不是艺术了？以杭州为例，“裸女”、“女裸”、“女人体”、“如花似玉”、“春情迷漫”等过于直白和煽情的标题让很多杭州参观者不舒服，还标上了“少儿不宜”，引起舆论一片哗然。 对此，主办者表示无奈：“标题都是摄影家自己取的，而且都签上了合同，改不了。 ”不过老百姓不是很买帐，他们希望下次能见到“正”一点的标题。 摄影也变成了行为艺术？ 这让人想起了所谓的“行为艺术”。 成都著名的古街宽巷子“小观园”内，号称蜀中八怪之一的行为艺术家周斌以裸体出浴的方式完成了他的作品《溺墨者的N次尖叫》。 尽管作者说作品具有丰富的内涵，但大多数围观者依旧把它当成了一场出格的“游戏”，大呼看不懂。 在南京，一场名为《人动物：唯美与暧昧》的行为艺术展第一个参展作品《五月二十八日诞辰》因作者当众赤身裸体钻入血淋淋的死牛腹中，引来公园工作人员的阻止，现场不少游客目睹表演后，纷纷摇头表示不理解、不能接受。 一位常年在公园玩的老人对记者说：“这种东西能叫做艺术吗？实在是胡闹。 ”公园售票处的两位女士也直称，“这种艺术太恶心了。 ” 艺术与色情的分界 关于艺术与色情之间的界限，从本世纪之初刘海粟与孙传芳的争论开始，也已有近百年。 以健康的心态、真诚的心灵来面对人体艺术，才能让它得到发展。 对现在行为艺术的走向圈内人士有不同的看法，一位不愿透露姓名的圈内人士说：“这些行为艺术家曲解了行为艺术的本义，表现过于病态极端，热衷于暴力、自虐、血腥、色情的行为，以这些场面强烈地刺激人的感官，以达到成名的效果，这不是艺术，是视觉污染，这样下去行为艺术的路会越走越窄。 ” 直面人体艺术 不四顾也不言它 似乎在一夜之间，汤加丽和摄影师张旭龙同时因为《汤加丽人体艺术写真》在全国引起关注。 但同时，围绕着这本书也出现了太多的麻烦，最有代表性的便是摄影师张旭龙将为汤加丽穿上马赛克的新浪网告上了法庭。 而同时，汤加丽在接受媒体采访时称自己从拍摄到出书都是被迫的，将张旭龙置于尴尬境地。 人体艺术是一个不是问题的问题，因为汤加丽事件又引起了一些争议，实际更多是社会学意义上的，与艺术本身没有多少关系，许多人体秀实际是商业秀。 事实的真相的确如此：2002年9月，《汤加丽人体艺术写真》由人民美术出版社出版，一版印刷册。 不到一个月，《汤加丽人体艺术写真》加印5000册。 到目前为止，《汤加丽人体艺术写真》已加印四、五次，每次加印量均为5000册。 即便如此加印，该书在外地还是出现了脱销情况。 据说王府井书店平均一天售出《汤加丽人体艺术写真》5本左右，最多的一天售出了十几本，远远超出同类书籍。 在广大受众还在为这场汤加丽事件争论得不可开交的时候，不少既得利益者成为真正的赢家，正在偷偷地数钞票。 但是，这些似是而非的纷争，却能给我们一些关于人体艺术深层次的思考，当然，这些思考绝对和所谓的汤加丽事件无关。 2003年1月，由清华大学知名教授韩子善主编、迄今最为重量级的中国人体摄影大集《当代中国人体摄影》新鲜出炉。 以香港著名摄影家邓振强的人体摄影为主画面的包装封面深深地打动了众多读者。 4月11日澳大利亚知名人体摄影家詹姆士•休斯顿摄影作品中国巡回展《瞬间舞动》在广东美术馆开展。 此摄影专辑以澳大利亚三大著名舞蹈团的杰出舞者为摄影对象。 40余幅作品中雕塑般的人体线条和静态影像中呼之欲出的力度与动感，令人叹为观止。 5月中旬，沈阳商业城里特别热闹，一场别开生面的人体彩绘正在这里上演，众多顾客停止购物，争相赶来观看，许多摄影爱好者也纷纷抢占有利地形，将镜头对准全身涂满五彩斑斓色彩的彩绘模特。 这种在南方流行的人体艺术在沈城刚一露面，便对人们的观念产生了不小的冲击波。 （其实这样的人体秀，一年以来几乎在中国绝大多数的大中城市上演过。 ） 一段时期以来，在农村集镇以及城乡结合部的物资交流会、庙会等集市性活动场所，容留、接纳、组织大棚演出团体进行脱衣舞表演的情况时有发生，且有愈演愈烈之势。 一些歌舞娱乐场所、影剧院及其他演出场所也公开组织女青年进行色情淫秽表演。 文化部联合公安部已先后查处了山西省朔州市怀仁县，河北省张家口市下花园区、宣化县以及浙江省义乌市4起性质恶劣的脱衣舞色情淫秽表演案件，当场抓获组织及参与人员211名。 这是中国青年报的一则报道内容，从文字间已经不难看出，脱衣跳舞已经蔓延到中国时下的很多地方，尤其是一些边远城镇和偏僻的小村…… 似乎中国正经历着新的一轮的人体艺术的冲击波！ 从去年至今的中国人体摄影热是新时期中国艺术界的第几轮冲击波了， 我也说不清楚。 反正印象中，人体摄影过不了几年就要时兴那么一崩子，似乎好像总是没由来地潮来，又没由来地潮退。 就这么起起伏伏， 不断地折腾着，轮回着。 天下所有的事物都必然有其自身的发展规律，之所以说它没由来地潮来，又没由来地潮退，是说明我们似乎尚没有发现这个规律，没有发现也并不可怕，可怕的是我们的理论界，评论界竟然坪踔两窕够肴徊痪酢任何艺术，任何科学知识，都不能不经研究而获得。 （德谟克利特语）对于中国的人体摄影热现象，更应该以观察研究的态度对待之。 除却政治气候以及具有中国的特色的不便理清言明的因素，新时期人体摄影的发展历程自身其实是大有意味，甚至是很值得探究的。 因为我们不能忽略了一件艺术品给人的愉悦和一碟冰激凌给人带来的愉悦之间的差别。 当人们在看一个审美客体时，他们看见了什么；当他们说他们喜欢或者不喜欢它时，这又意味着什么；为什么他们会喜欢上他们所偏爱的东西。 （美）阿恩海姆：《艺术心理学新论》，商务印书馆1996年版第57页其实，我们每个人心里都十分明了，在我们心中，对人体，是向往的，甚至可以说它是我们文化心理深层的一个情结。 即便我们是中国人，即便我们的文化对它有种种莫名其妙的排斥，但我们依然无法释然，无法置身其外，无法自欺欺人！ 这或许就是人体摄影几度兴衰几度浮沉但始终不泯灭始终不消亡的原因。 这正如同那句名言，人啊！你根据你自己的情欲，把神创造出来了！（德） 黑格尔：《美学》第一卷，商务印书馆1982年版第301-302页因为人是在对自己的鉴赏和审视中休整修正自己的，然后前行！ 在神话中，心灵之神叫普赛喀（拉丁文为Psyche），也是多种西方语言中心一词的词根），这个心灵之神在不同时期有所变化，但她的主要形象是不变的，她是一位生有双翼的美丽女神，翩翩飞翔如同蝴蝶一般。 方汉文：《西方文艺心理学史》，陕西人民出版社1999年版第4页]令人称奇的是在这次李泛的展览中也有好几生有双翼的美丽女神，翩翩飞翔如同蝴蝶一般的作品，我不知这是简单的模仿，还是一种创作心理上的暗合。 虽然我和李泛还挺熟，可是我没有问他，因为我知道关于摄影作品，关于摄影家，语言往往是多余的，而且常常适得其反。 因为我们知道对于摄影，最主要的是要依靠眼睛，依靠心灵。 因为在我们身上只有一个心灵，这个心灵并不包括任何部分的差别；这同一心灵既是感性的，也是理性的，它的一切欲望也是一些意志。 卡迪尔：《心灵的感情》，转引自《西方伦理学名著选辑》上卷，商务印书馆1996年版，第598页。 现在对已经起步很久的艺术家用模仿一词，人家会觉得很不受用。 因为，所有的艺术家都最热衷的是创造，而不是模仿，所以说谁模仿就对于在骂谁，至少这是世俗文化的框框。 但是，我们不要忘了一切文化（包括所谓艺术）首先是传承，然后才是创新。 说绝对一点，我们所有人都是在干着百分之九十九继承，百分之一创新的事。 谁都概莫能外！加之特别是对于人体摄影而言，我们的模仿的意味还很重。 因为摄影本身就是舶来品，我不敢说我们食洋不化，也不敢说摄影千里迢迢来了这么久了还水土不服，但是，一切文化人都知道，所有文化的融合都是一个漫长的过程。 而且我们恰巧尚处于这个过程之中。 至于从属于摄影的子概念的人体摄影而言，就更是如此了。 承认这个事实并不是我们的可悲，而是说明我们的坦然与自信。 因为不敢面对现实，遑论超越。 艺术越来越象一个应召女郎，只要你需要，随便使点手段就可以委身于你，极尽搔手弄姿之媚态。 无论行为艺术还人体艺术，都是泊来品，在那些莫名其妙的行为艺术还在闹轰轰的时候，人体艺术又粉墨登场，在制造着热点，在抢夺大家的眼球。 不知这是艺术家的自暴自弃呢，还是艺术评论家的愤世嫉俗。 我不知这是一种即将超越前的迷茫和混乱呢，还是一场陷落前的死寂和腐烂？但是，我想这种局面决不会持久！ 我素来把人体摄影的境界分为三类：一类是拍人体就是拍人体，如同拍摄汽车楼房山脉桥梁；二类是拍人体如同为情人写赞美诗，抑或是为亡人做道场；三类是把别人的身体当作自己的一样去审视思索。 现代是一个价值多元的时代，不是一个价值以及道德判断非此即彼的年代。 这三类其实无所谓前后高下优劣。 但是一切文化的问题都是可以归结为价值以及道德判断的问题，这又是我们谁也无法回避的，所以我们人就有了许多痛苦，文化也平添了几多尴尬。 人精神深处一种永恒的直觉，显而易见，是一种美感爱伦•坡：《诗的原则》，以我浅显的理解，一切受众对一切艺术都有自己的直觉，也可以称之为美感认同及价值判断。 这也有可能是中国人体艺术最薄弱的环节，最可能与世界接轨的突破口。 我可能是在瞎说。 我还注意到国人看人体摄影的眼神不太对，国人在人体影展上说的话味不太对，国人关于人体摄影的评论都多半是在煞有介事地四顾左右而言它！ 这容易使人联想起文艺复兴之后，在早期的西方贵族夫人沙龙中，连牙齿叹气胸脯这类描述人体部位以及生理现象的词都会被认为是粗俗而不能使用，要用其他委婉的隐喻来代替。 这种风气颇能体现法国古典主义的雕褥辞藻，苛求形式的一面，而且这种风格对欧洲其他国家影响甚大。 这种人文现象我们今天在读西方文学作品时犹能体感身受。 俄国19世纪作家果戈理的《死魂灵》中，描写外省的太太小姐们附庸风雅，说话时不用不文雅的词，如擦鼻涕时要说成使用一下我的手帕之类活灵活现地描绘了当年俄国贵族盲目崇拜法国古典主义矫柔造作作风的场面，从中可以看出法国古典主义的影响是多么广。 这种陈腐的人文气息在今天的中国是否就荡然无存了呢？我说，绝对不是！一切应该消亡的东西并不是轻易就那么容易消亡的。 中国反了一个世纪的封建主义，封建注义至今仍没有完全肃清，更何况中国的文化素来就有对西方文化仰视的陋习，没准正如鲁迅所说的那样，倒洗澡水时连澡盆里的孩子也一起倒了，在吸收 西方文化时将糟粕奉为圭臬。 这里面有一个文化传统的问题，更有一个人文环境的问题。 但归根结底它切中了我们历史文化的软肋，就是我们能不能以人为本，尊重人性，实事求是，真实快乐地生活的问题。 艺术是人类情感的符号形式的创造。 [苏珊•朗格：《情感与形式》，中国社会科学出版社1986年版第51页]生命物质总是要获得形式的永恒性，但形式的永恒性不是它最后的目标，而是一种不停的追求又总是在每时每刻已经达到的目标。 因为达到这一目标完全依赖生命活动。 [苏珊•朗格：《情感与形式》，第79页]认识到这一点，人体艺术就似乎不在是风花雪月的问题，而是上升到提升生活质量，提纯人性，促进文明进程的高度了。 我听说，在西方的主流社会里，《花花公子》不是一本色情刊物。 和那些真正的色情刊物相比，其中有一条就是它不会登载任何一位女性透露私处的图片。 因为海夫纳是真正一位属于掌握尺度的大师。 因而即使是在色情的场景，人们对此的感觉也是性感！性感！极度的性感，而至于如何让男人兴奋产生性幻想，同时也让女人同样兴奋。 也许，男人对女性偷窥的感觉，是性幻想情节中人们再熟悉不过的了情景了，因而说她对女性是尊重的，倒不如说它是恰当地把握了这个尺度。 但是不可否认的事实是，女人的裸体不过是在什么时候，依然都是对人们具有真正感官的刺激。 因为就像布鲁克的臀部一样，人们终于发现在人们对于女性的胸部充满了想象的时候，真正能够调动男人情绪的还是臀部，因此布小姐的臀部才会拥有如此抢眼的效果。 因而，女人裸体的效果，真得是不如在适当的部位和尺寸打造女性的性感来得具有刺激的效果，而这样的方式，还不会触动人们对于色情的尺度。 有人说现在是个大众偷窥的年代，因为那些道貌岸然的老板和那些街头的痞子一样，完成偷窥的热情是一致的，而且在这个偷窥已经用越来越以公开地方式展示出来。 五形而上者谓之道，形而下者谓之器。 人体摄影就是人体摄影，我们不能因为要迁就我们的国情，就给它乱加遮羞布，也不能在自己还没有弄清人体艺术的内涵之前，就故弄玄虚，欺世盗名。 虽然人体摄影的确是个很难把握的秒表，无论是左右之一分一毫，就既有可能将之陷于不尴不尬，不仁不义之地，而且还极有可能在糟蹋摄影艺术的同时，给社会添乱。 因为，艺术与色情往往只有一步之遥。 所以古希腊德尔菲（Delphi）阿波罗神庙刻辞是自知，节制。 我们的古文化也有道心惟微，神理设教[《文心雕龙•原道》]的说辞。 关于这一点，应该说我们中国人是最应该做好，也最能够把握的，因为我们素来最自诩的就是我们东方文化的中庸之道，也有人把中国的哲学概括为度的哲学。 但是，非常令人遗憾，也非常令人不可思议，我们恰恰是总把这个问题把握不好，操作不到位。 至少在人体摄影上往往是这样！ 我不将之理解为技术的问题，而将之理解为思想的问题。 虽然思想的自我控制着想象的自我，但艺术家可以并不意识到这一点，因为他只是意识到他是在想象，而不是在思想；他知道有一种有别于想象的东西在控制着他的想象活动，却不知道这东西就是他自己的思想。 [ 科林伍德：《艺术哲学论文集》，转引自朱狄著《当代西方美学》，中国社会科学出版社1984年版第75页]。 因为，这也就是老话说的，以己昏昏何以使人昭昭。 要想说得精彩，前提必须是先想清楚；要想干得漂亮，前提同样是必须先想清楚！因为在我们建设一个健康的社会文明体系的时候，我们不仅要承认文明是一种理想，必须扬帆追求，我们同时需清醒认识，非文明产生的土壤和现实，让耶酥的归耶酥，撒旦的归撒旦，而一个公正，健康，积极的现代性文明体系，他的路是长远的，他的思辩是复杂的，有赖理性的促进，善意的引导和科学的研究。 老戏中总爱有句词叫：借别人的祭奠哭自己的忧伤。 写到此，我算悟到了这句话的真谛。 我是汤加丽事件，说了一些自己长期关于中国人体艺术的思考。 有点说偏了，就此打住！ 如何欣赏人体艺术 当前，人体艺术形象正以各种各样的形态充斥在各种传媒中，美术作品、报刊杂志、影视广告、网络图片、行为艺术、人体彩绘等等均有大量的人体形象出现，真可谓五花八门，眼花缭乱，直接影响着人们的文化生活和意识形态，对处于成长发育时期的青年学生地审美认识和学习更有很明显影响。 不少人认为人体是美的，但也有人不敢正视人体艺术的存在，把人体与邪恶、淫秽和性联系起来。 那么，应如何欣赏人体艺术呢？ 一、 首先要明确人体是美的，不是邪恶的。 早在古希腊人就相信，人体是应该引以为自豪之物，并应使它保持完美的状态。 伟大的德国诗人歌德说：“不断升华的、自然的最后创造物就是美丽的人。 ”有人还说：“人类最漂亮的服装就是自己的肌肤。 ”因为人体是在适应大自然的演变而造就出的，是由合理科学的骨骼、肌肉、皮肤及各部位器官的巧妙组合而成的一个完美的、均衡和谐调的整体。 人体艺术是以人体作为传达艺术家感情的载体，艺术家通过艺术创造，赋予人体以千种色彩，万般体态。 从事艺术活动合理的利用人体模特，也是很正常的，因为人体是美好的，正常的，所谓的‘邪恶’是传统观念和人为误导、暗示的结果。 ” 二、人体艺术是高尚的，神圣的，不是淫秽的。 人之所以喜爱人体艺术，是由于艺术家借用人体语言来崇拜生命、赞美自然、歌颂青春、讴歌爱情、追求自由，这种创作表现是产生优秀人体艺术作品的内在动因，它不会把人引入想入非非、邪念丛生的歧途。 如米开朗基罗的《大卫》就是以男性阳刚之美的力度感动人，而罗丹的以性爱为主题的雕塑，则使人远离肉欲，而感受到青春美丽和生机活力，确定了艺术与实物、欣赏和欲望的关系。 人体艺术印刻着不同时代与不同作者的审美情趣，思想感情及不断变化的社会思潮。 古希腊的人体反映着朴素、庄严、圣洁；文艺复兴时期的人体和雕刻体现人体的躁动，是精细的；印象主义的人体，是实在而华丽的；美国风格的人体是幽默感的；日本风格的人体是柔美动人的……。 人类对自身的认识是随着时代文明的进步而逐渐深刻和升华的，历代的艺术家在人体艺术领域中不断探索，而给世界艺术宝库增添了大批绚丽多彩的人体艺术品。 如维纳斯的人体塑像，安格尔的《泉》，罗丹的《思想者》都是家喻户晓的传世杰作。 由于历史和文化的原因，中国人和日本人从未将赤裸的人体本身作为一种可供沉思观照的严肃题材，这种情况至今仍造成一些误解，导致了我们面对人体艺术时产生了惶恐和困惑。 人体艺术是神圣的，高尚的，和淫秽有着本质上的不同。 三、学会用艺术的眼光去欣赏人体美，学会辨别伪艺术。 温克尔曼断言：最高的美应该摆脱一切风味，就像纯洁的水一样完美。 艺术是神圣的，她是对生活的归纳总结和高层次的再现，是生活的升华。 她常常给人以启迪、想象、思索、审美……，所以人们才去欣赏艺术并接受艺术的熏陶，以丰富自己的精神生活，汲取艺术的养分。 不容否认，当下好多人打着人体艺术的幌子，以追求商业利益、出名或是其他的不可告人的目的，不顾艺术规律，标新立异，追求轰动效应，有的甚至以展示丑陋、色情、死亡为时尚。 这种践踏艺术规律的行为，不是对美的赞颂，而是对传统艺术理念和艺术本体的全面颠覆。 作为一个正常人，面对这样的“人体艺术”，我们无疑会嗤之以鼻。 因为，与正常的艺术相比，它们最缺乏的就是创造，没有艺术所具有的灵气，有的只是胡闹和荒唐。 除了给他人以猎奇的心理和满足一些人甚至包括其本人的低级趣味之外，基本与艺术无关。 我们不难发现，这些“艺术家”们已经完全远离甚至脱离了正常生活，他们不是从百姓生活中吸取创作源泉，而是以艺术的名义去“随心所欲，为所欲为”，他们不仅失去了艺术创作的根基，甚至连人类的一些基本的道德规范都丧失了，体现的是一种歇斯底里乃至疯狂与变态。 人的行为或艺术行为，还是应该趋向人道主义的真善美，趋向人性的健康和阳光。 那种认为只有心理变态、行为反常的怪异追求，才能再现人性的深度，才是新美学新艺术的未来发展方向，是一种现代蒙昧主义。 感谢上苍赐予世界所有的美好，更感谢上苍予以人类双倍的恩赐：如诗的人体造型与能感受所有美好的灵魂触角，虽然在第一种赐予并不慷慨，但任何人却都拥有这样的权利：感受美好！请你用艺术的眼光来欣赏人体之美。
印象派 油画出现于欧洲几百年以来，一直推崇的是学院派的画风，他们总是只在画室里面作画，讲究的是老套的构图形式，作品总是缺少变化的的阴暗色调，直到19世纪后半叶，这种和大自然隔绝的做法终于受到了新一派画家的唾弃，以莫奈为代表的一批年轻的法国画家提倡走出画室，奔向大自然的怀抱。 由于他们的作品追求的是光线和色彩的变化，色调明亮灿烂，造型松散，不求严谨的笔法，所以被称之为“印象派”。 印象派的代表画家较多，有莫奈（1840—1926年）、马奈（1832—1883年）、毕沙罗（1830—1903年）、雷诺阿（1841—1919年）、德加（1834—1917年）、修拉（1859—1891年）等人。 莫奈的代表作《日出》（又名《日出·印象》）成为宣告印象派诞生的标志。 画面中，一轮冉冉上升的朝阳喷薄而出，水天共一色，都被暖色的云霞和淡淡的晨雾浸染得轻盈和神秘，近处的水倒映出似乎透明的橙黄、淡紫、淡蓝象是神奇的魔术师在编织光与影的色彩篇章。 近处的两、三叶轻舟，远处的吊车、林立的烟囱、厂房依稀可见。 长短不一、富有活力的笔触生动活泼地描绘了海边小城阿尔及尔港口富有朦胧诗意的早晨。 由于对官方沙龙的抗议，印象派画家从1863年起举行了落选画展，共举行了八次，这八次画展使得人们对新艺术、新画风的惊讶、嘲讽逐渐走向对真正艺术的接受、欣赏和喜爱。 莫奈的《鲁昂大教堂》、《柳树下的女人》、马奈的《阿善特拉的桥》、毕沙罗的《休息的农妇》、德加的《芭蕾舞女》等等画作都是其中的优秀作品。 莫奈在晚年眼睛几乎失明的状态下，还创作了他的最大的一组油画《睡莲》。 印象派的影响是巨大的，一代又一代的画家甩掉了学院派沉重的“酱油色调”，奔向大自然的怀抱，描绘阳光与色彩的永恒魅力。 19世纪下半叶至20世纪上半叶，俄国出现的三位优秀画家也曾受到印象派的影响，对印象派的作品进行了深入的研究和学习、吸取，他们在日后也对中国的美术界产生了较大的影响，这三位就是现实主义的绘画大师列宾（1844—1930年）、风景画家列维坦（1860—1900年）和列宾的学生谢洛夫（1865—1909年）。 伊里亚·列宾有着深厚的绘画底子和高超的艺术天赋，他的很多作品都以现实主义手法深刻地刻画了众多的人物形象，在他的笔下，拉船的纤夫、坚强的革命者、残暴的沙皇都栩栩如生、有血有肉地再现在观众面前。 列宾的优秀作品有《伏尔加河上的纤夫》、《拒绝忏悔》以及众多的写实肖像。 谢洛夫擅长表现阳光和空气下的室内景色，作有《少女和桃》、《阳光下的少女》等。 列维坦活了不到40岁，却创作了大量的优秀风景油画，他性格忧郁，创作出来的风景作品却色调明朗，犹如优美的旋律，画家的作品饱含了对生命的无限热爱之情和对祖国广袤土地的热情讴歌。 《墓地上空》被视为他的力作。 （伏尔加河上的纤夫） 后印象派 印象派对光与色的潜心研究，以及不管贫病疾苦仍然追求健康、光明和欢乐的精神深深影响了很多画家，如凡高、塞尚、高更、毕加索、马蒂斯等伟大画家在早期都曾经深受影响。 凡高、塞尚、高更便是在印象派影响下的产生的后印象派的三位先驱。 荷兰画家凡·高（1853—1890年）一生坎坷，大部分时间都在穷困潦倒的状态中度过，但是一切都无法阻挡这位天才画家对光明和美好的追求和憧憬，在他的很多作品中，都把稻田、向日葵甚至星空都描绘成红色的，橙黄色的，画家手中的笔象是急促运动的波浪，总是满怀激情地描着阳光下灿烂的景致。 凡?高一生都处于一种狂热的创作冲动之中，所以在他自成一派的作品中，我们会很容易被他充满激情的、甚至有些痉挛的狂热所感染。 如《向日葵》，瓶中一簇怒放的向日葵，从橙黄到淡黄的，各种丰富的黄色调子，鲜艳灿烂，充分展示了阳光下的蓬勃的生命力；而《村庄》、《有房子和农夫的风景》中红色的田地、云朵流溢的天空，表现了作者对自然、对生活的关注和热爱；即使是在描绘夜晚景色时，凡·高也情不自禁地将星云笼上太阳的光环，在《星月之夜》中，流动的星云斑斓多彩，象一朵朵彩色的梦，哪里还有黑夜的荒凉和恐惧？凡高在不过十年左右的绘画生涯中，共创作了1400幅油画和素描，这位艺术史上并不多见的用自己的心灵和生命作画的天才画家，在37岁的时候，由于精神失控用手枪结束了自己不平凡的一生。 有着秘鲁血统的高更（1848—1903年）生于巴黎，当过水兵和和交易所金融职员，25岁开始启蒙学习绘画，35岁时为了艺术毅然抛弃了所拥有一切。 家庭生活的失败、都市文明生活下掩盖的虚伪使高更先是远离法国到了偏远的大洋州上的塔希提岛，后来更是远涉重洋，去到尚未受到所谓“文明”熏染的热带岛屿，去寻找他追求的“原始、纯洁、自由”的世外桃园，最后病死在孤岛上。 高更在塔希岛上的创作时期是他一生艺术生涯中最辉煌的时期，他吸取了中世纪的彩色玻璃画、壁画、日本版画等各种创作元素，创造了“综合”画法。 高更很重视形式美，在他的后期作品中，都可以看出他对色块之间的关系和布局已经抛开了早期印象派那琐碎的笔法表现，显得纯粹得多了的色块与色块之间表现出一种接近平面的装饰美。 在高更的作品中，强烈体现出他对土著人原始自由的生活状态、黝黑健康的皮肤的热爱，体现出他对工业文明的强烈憎恶。 高更的作品具有强烈的象征主义色彩，被后人称之为绘画史上的“象征主义之父”。 其代表作有《游魂》、《姊妹俩》未完成的大型油画《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》 塞尚（1839—1906年）是一个喜欢孤独的人，其作品大多以妻子的肖像或苹果、面包等静物为题材。 早期作品受到印象派的影响较大，后期专注于表现物体的质感和体积，摈弃了印象派过于琐碎的造型笔触和受自然限制的束缚，更加注重自身主观意识的表现，并着重解决色彩与结构之间的关系。 其作品有《苹果盘》《玩扑克牌的人》《马赛湾》《圣维多克山》等等。 在油画的里程碑上，塞尚是“完成了色彩——结构的革命”的“现代绘画之父”。 （苹果盘） 原始主义 原始主义画派的中坚人物是出生于法国诺曼底半岛的亨利·卢梭（1844—1910年）。 从中年才开始作画的海关职员卢梭一生从未受过任何绘画训练，他的作品全然不顾西方传统绘画中所重视的透视原理，各个画面元素之间根本没有“近实远虚”的关系，人物形象也有些近似木偶；他画树叶是一片一片地画，画树杆和草丛是一根一根地画，画头发也是一根一根地画得很清楚，色彩的使用比较单纯，这使得他的画看上去有点像通过拼贴手法获得的平面装饰效果，而且他的画总是透出一股浓浓的原始气息。 在卢梭到底有没有离开过巴黎这一点上，美术史学家们有不同的看法，有的认为他从未离开过巴黎，有的则认为他曾在墨西哥的热带丛林中服役一年多。 不管怎样，卢梭笔下常常出现的神秘的热带丛林和有些古怪的人物形象，根本就没有精心雕琢的痕迹，他似乎在自然而然地描绘着一个孩子的梦幻世界，描绘着一个未受污染的美丽原始世界。 从他的画上，我们似乎能看到他作画时的认真和固执。 这位被称为天才的“雅拙艺术家”，其作品对“立体派”、“野兽派”、“超现实主义”等现代派美术产生了深远的影响，毕加索就曾把自己收藏的卢梭的大量作品和一些非洲雕塑和面具放在一起进行研究。 巴黎当时的著名诗人阿波里奈（1880—1918年）曾写道，只要一看到卢梭的画，他就“不得不推开窗子逃避”以逃避卢梭那神秘而荒诞的“自我诱惑”。 抽象派的大画家康定斯基的评价也很高，他认为卢梭开辟了“一条新的现实主义道路。 ”（睡眠中的吉普赛女郎） 野兽派 1905年，巴黎的一个画展上，一群年轻画家展出了令人吃惊的作品，这些作品的色彩浓烈刺目、表现手法粗犷，带给画坛一股强烈的冲击波，人们把这个年轻的画派称之 “野兽派”。 （“野兽”，特指色彩鲜明、随意涂抹。 ）实际上，野兽派从未形成过任何运动，也还没来得及形成系统的艺术理论就解体了。 野兽派存在的时间很短，大约只有三年左右，但是作为早期的现代艺术流派，其影响是久远的。 它的最重要的代表人物是法国画家马蒂斯（1869—1954年），其代表作有《舞蹈》、《红色的和谐》。 在处理线条和色彩块面之间的手法上，野兽派追求一种强烈的“蓄意的不调合”的对比效果，在透视上抛弃传统的透视法则，在造型上追求形象的夸张性，这些力求打破传统的艺术法则的创作手法给人带来了随意而又强烈的视觉效果；又由于受到非洲艺术和东方艺术的影响，他们的作品往往带有雅稚、淳朴的意味。 在色彩表现的技法上，野兽派画家常常采用类似平涂的手法，使得色彩之间不但对比鲜明，而且还具有较强烈的装饰美。 马蒂斯曾在《画家札记》中写道：“总之，我追求的是表现。 ”野兽派的另外一名画家德兰（1880—1954年）也提出“放弃自我，为色彩而色彩”。 现代美术的特征是象征性、抽象性、表现性，野兽所提出的这些以前从未有人明确提出的画论都体现了野兽派画家对主观意识表现的重视，他们勇于向传统挑战的意识也开辟了现代派美术的先河。 （红色的和谐） 立体主义1908年，西班牙画家毕加索（1881—1973年）在巴黎展示的一幅作品《亚威农的少女》被认为是立体派的问世之作。 在反传统的意义上，立体派比野兽派可谓向现代美术更进了一步。 毕加索一生所受的影响较多，其中塞尚的晚期作品和非洲的雕刻艺术对其形成立体主义的影响最大。 塞尚把物体概括成结构和体积给了毕加索将自然物体概括成圆锥、三角、圆球、圆柱的启示；非洲雕刻使得毕加索找到了反自然特征的灵感，解决了在单个形象中如何并存几个不同视点的难题。 在作品《亚威农的少女》中，毕加索用不同的透视方位和不同的光源打破传统的空间表现的法则，用饱满的构图将五个女人体挤压在表不同视点的空间里，给人以种全新的空间感受。 油画《格尔尼卡》表达的是毕加索对1937年德国对西班牙人民犯下的的罪行的愤怒。 油画中大量使用了蕴含痛苦和恐惧意义的浅青、浅灰色调，画面人物仍采用了立体派的表现手法，将人物悲惨、绝望的各种神态和形象加以夸张变形并进行透叠，人物的质感犹如岩石般凝重。 《格尔尼卡》充满了了一种紧张的张力，简明的黑白色调渲染了画面的悲壮情调，强烈地震撼了观众。 在毕加索一生中，始终高涨着澎湃的创作热情，他总是尝试用各种不同的艺术手段进行表现，油画、雕刻、拼贴、陶瓷等手法融合在他的作品之中。 毕加索的创作生涯主要经历了四个阶段：蓝色时期、玫瑰色时期（又称为粉红色时期）、立体主义时期和新古典时期，其中立体主义时期的成就对现代美术的影响最大。 （格尔尼卡） 抽象主义 抽象主义的产生与当时工业发展较快的社会背景有较大的关系，机械化工业产生的速度、效率等抽象因素使一些艺术家逐渐怀疑现代工业文明，同时受到神秘主义的影响，抽象主义者开始希望用一种纯灵性、纯精神的新手法去概括和提炼自己的精神世界。 康定斯基就曾提出过：“以色彩影响精神”。 抽象主义者尝试着用简洁单纯的线条、色块作符号借以表达某种情绪和神秘的宇宙；又用几何形式分割着画面构图，幻想以一种明晰的井然秩序去规范不可知的神秘世界。 俄国画家康定斯基（1866—1944年）早期受过表现主义的影响，从1910年开始他就对抽象主义作了不懈地探索，在绘画的实践方面和理论方面都对抽象主义作了极为重要的贡献，被称为“现代抽象绘画之父”。 他作于1913年的早期作品《即兴30号》，似乎是随兴挥洒着抽象的视觉符号，在表达着一种跳跃的、愉悦的、“纯视觉音乐”的激情；是而作于12年后的晚期作品《绿与红》中的几何形体的组合，则将抽象主义所追求的有序性表达得更加明朗。 将这种有序性的幻想发挥到极致的是荷兰风格派画家蒙德里安（1872—1944年）。 在他的著名作品《有红、蓝、黄的构图》中，非常单纯的红、黄、蓝三原色被黑色的线条分割，画中没有任何具象的可视对象，透出的是一种高度理智的稳定感，充分表达了抽象主义最终提倡的和谐性、有序性和平衡性。 相对康定斯基而言，蒙德里安喜欢的色彩要偏向灰雅一些，他的绘画作品更具有一种冷峻的理性美，所以蒙德里安被划分为“冷抽象”，而康定斯基则成了我们常说的“热抽象”。 （构图） 达达主义和超现实主义达达主义产生于一战时期的反战情绪。 达达主义所提倡的是无政府、无理想的、破坏性的虚无主义，他们嘲笑一切既定的价值标准和所有的传统观点，认为当前的所谓文明社会正在作垂死的挣扎。 虽然在思想上，达达主义带有一定的消极性，但是他们看似荒唐的一些作品其实正是对传统的叛逆、对新观念的表达以及对新材料的创新使用，这些对现代派美术都起到了一定的贡献作用。 达达主义的最主要的代表人物是生活在纽约的法国艺术家杜尚（1887—1968年），其作品《带胡子的蒙娜丽莎》是达达主义向传统审美观念的挑战；现成品作品《泉》是对“完全麻木的状况”讽刺，画家的创作目的并不是“建立在能否在其中发现审美本质的基础上”，而是“建立在这些物品使人们思考的审美的问题上”。 超现实主义的一些思想虽然来源于达达主义，但是超现实主义克服了达达主义的虚无主义，受到弗洛伊德的潜意识理论的影响，超现实主义画家尝试着把“梦与现实这两类表面矛盾的状态”转变成为“一种绝对的现实，一种超现实”。 超现实主义画家中有两位杰出的西班牙艺术家，一位是才华横溢的达利，另一位是米罗。 达利（1904—1989年）的杰出作品很多，创作领域主要在油画和摄影当中，摄影作品集有《达利的胡子》，油画作品有《记忆的永恒》、《一个头充满云朵的人》、《〈看海的卡拉〉——在18米外看变成林肯的肖像》等等。 深受弗洛伊德学说的达利，其油画作品充满了魔幻世界的荒诞意味，犹如在迷幻怪异而又似曾相识的梦境里寻找着某种暗示或象征。 他的作品对后来的设计思想有极深远的影响。 米罗（1893—1983年）先后经历了野兽派、立体主义、达达主义、超现实主义的几次艺术风格的转变。 他的大部分作品如《加泰隆风景》、《蔚蓝的金色》、《哈里昆的狂欢》等等常常出现一些奇异的有机体和有趣的符号，作品中往往洋溢着一种神秘的灵性和儿童般的稚趣。 但米罗在1938年所创作的晚年作品《妇女头像》却与以前的作品迥然不同，画中有些邪恶的头像象阿米巴虫体一样让人感到恐惧与无助，这是当时欧洲普遍存在的对战争的恐慌感。 等··
在西方艺术史上，存在许多被赞颂为美女的画作和人物，但没有广为人知的“四大美女”这一说法。 以下是对西方艺术中著名美女形象的介绍：1. 达·芬奇的《蒙娜丽莎》是世界上最知名的画作之一。 画中的蒙娜丽莎以其神秘微笑和优雅气质闻名，至今吸引着无数艺术爱好者。 达·芬奇运用薄雾画法营造出了一种梦幻般的景象，使这幅画作成为卢浮宫的镇宫之宝。 2. 拉图尔的《蓬帕杜侯爵夫人像》描绘了路易十五的情妇，同时也是当时艺术家们的赞助人。 画作展现了侯爵夫人的高贵与自信，以及她的成熟魅力。 3. 安格尔的《大宫女》描绘了一位充满东方情调的后宫妃嫔。 画中的笔触感性而有光泽，人物的体态和神情都透露出神秘感。 4. 维吉·勒·布兰的《维吉·勒·布兰夫人和她的女儿》因其展现的母爱而被传颂。 作品简洁而自然，是一幅展现人间高尚情感的杰作。 5. 德拉克洛瓦的《自由引导人民》将政治意义与艺术相结合，画中的女性形象不仅是美丽的象征，也是那个时代不屈不挠的精神代表。 6. 玛乱宽丽·卡萨的《花园中的年轻女郎》传神地捕捉了一位年轻女子的纯真瞬间。 画中少女的专注和迷人的体态与自然景观相得益彰。 7. 安格尔的《泉》展现了西方少女的纯真与美丽。 画中人物的透明感和纯真表情引发了无限的遐想。 8. 温特哈尔特的《里姆斯基·科萨科夫夫人》描绘了一位高贵而典雅的妇人。 这幅画作体现了贵妇人的高贵气质和浪漫情怀，也反映了俄罗斯的精神。 9. 雷诺阿的《康达维斯小姐的画像》描绘了一位银行家女儿的青春美丽。 画像中的少女羞涩而优雅，给人以宁静和向往。 10. 格哈德的《贝蒂》是一幅油画作品，画家以精确的手法捕捉了女儿贝蒂的瞬间姿态。 画中的贝蒂转身时的背影既美妙又充满淡淡的忧伤。 这些作品展示了西方艺术中美女形象的多样性和深度，每一幅都有其独特的故事和艺术价值。
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